Análise de Obras-Primas da Arte Clássica e Islâmica

O Partenon

O trabalho que iremos discutir esta semana é o Partenon em Atenas. O templo principal era o Partenon, na Acrópole, e foi utilizado para abrigar a estátua crisoelefantina de Atena Parthenos, daí o seu nome. Foi construído por Calícrates e Ictinos, com técnica de monitoramento de Fídias, entre 447-432 a.C., durante a "Era de Ouro" de Atenas, sob o governo de Péricles. Este templo fez parte da reconstrução da Acrópole destruída pelos persas durante as guerras médicas e é o principal expoente do classicismo grego do século V a.C.

Estamos testemunhando um trabalho religioso de primeira ordem, já que é o templo principal de Atenas, que abrigou a estátua da deusa Atena Parthenos, padroeira da cidade. Este templo foi construído seguindo as características dóricas de mármore pentélico (colunas desprovidas de base, executadas com 20 eixos estriados, capitéis e ábaco consistindo em equinos, e arquitrave dividida em tríglifos e métopas).

Apesar de hoje se destacar a brancura dos seus mármores, no entanto, ao contrário do que é erroneamente interpretado, originalmente era policromado, com cores que enfatizavam fortes elementos arquitetônicos. Estamos diante de um templo de proporções regulares, sendo o dobro do seu comprimento em relação à largura, com oito colunas nos lados mais curtos, classificando-o como um templo octástilo, por 17 nas suas laterais mais longas. As colunas percorrem os quatro lados, sendo, portanto, períptero, e há seis colunas na frente do pronaos.

Do pronaos, temos acesso à cella, que foi dividida em três naves com colunas sobrepostas para ganhar a altura necessária para abrigar a estátua de 12 metros da deusa. Em seu interior, mais tarde, separada do resto, há outra câmara chamada opistódomo, que serviu para abrigar o tesouro da deusa.

Este trabalho é um reflexo não só da Ordem Dórica, a mais austera e clássica das ordens gregas, mas também das proporções harmônicas que o templo grego deve seguir. As proporções incluem não só os elementos, mas também as correções ópticas feitas pelos arquitetos para concretizar essa visão perfeita do conjunto (como o espaçamento desigual entre as colunas, o abaulamento do estilóbato e do entablamento para evitar a sensação de afundamento no centro, a ligeira inclinação dos eixos, etc.).

O Partenon foi famoso na antiguidade, não só pelas suas proporções esguias, mas também pela sua decoração escultórica, obra do escultor Fídias, hoje dividida principalmente entre o Louvre e o Museu Britânico.

O trabalho que discutimos é um marco na história da arquitetura, criando um tipo de templo que foi copiado repetidamente, não só no mundo antigo, mas também mais recentemente, como no neoclassicismo do século XIX. Manteve suas finalidades religiosas durante quase mil anos, sendo primeiro um templo pagão, depois uma igreja cristã e, posteriormente, uma mesquita. No entanto, o destino lhe reservou uma bomba que explodiu no Partenon veneziano, convertido em paiol turco, destruindo grande parte de sua estrutura. A isso, somou-se no século XIX o saque das potências imperialistas europeias que retiraram a maior parte de sua decoração escultórica, hoje dividida entre Paris e, crucialmente, Londres.

Doryphoros (O Lanceiro)

Autor: Policleto.

Esta escultura é uma das mais representativas do período clássico da arte grega (séculos V-IV a.C.), período caracterizado sociopoliticamente por tensões entre as formas democráticas e aristocráticas. Artisticamente, essa tensão manifestou-se numa evolução progressiva para o naturalismo.

A obra original foi feita em meados do século V a.C. (440-430 a.C.), mas o trabalho que estamos analisando é uma cópia mais recente, feita na época helenística. Nós nos deparamos com uma escultura de vulto inteiro ou livre, feita em mármore, embora o original fosse de bronze. Retrata um jovem, mas não adolescente, nu, no ato de avançar com o braço esquerdo flexionado, pois carregava uma lança que se perdeu.

Sobre a temática, existem diferentes interpretações: pode ser considerada representativa de um atleta (um lançador de dardo) ou, se resultar em uma obra de temas heroicos e mitológicos, representar Aquiles. A verdade é que a temática é apenas uma desculpa para o escultor capturar plasticamente o ideal de beleza masculina em seu "Cânone".

Este trabalho é a mais pura encarnação do protótipo do corpo masculino perfeito, de elegância austera, sem as formas de Hércules ou maneirismos. Calmo, move-se com confiança. Fornece uma solução interessante para a figura em repouso: um pé suporta o peso do corpo e o outro mal toca o chão com a ponta dos dedos, com o joelho flexionado, puxando para trás. A tensão gerada por esse desequilíbrio é compensada pela ligeira inclinação da pelve e dos ombros.

O Doryphoros ainda apresenta um resquício do arcaísmo, sendo esculpido em linhas gerais; os músculos peitorais são linhas planas e a cintura e o quadril são muito visíveis. Apresenta a técnica do contrapposto sobre uma perna. Ele representa a atitude de avançar, uma pausa momentânea que confere estabilidade ao sentido de ação potencial. Este movimento é feito com muito menos força do que o Discóbolo de Míron, mas o tronco responde plenamente a ele.

O Doryphoros empunha a lança na mão esquerda (a nossa direita), forçando assim o ombro esquerdo e levantando-o ligeiramente. A perna esquerda não suporta todo o peso, o quadril cai e o tronco direito do Doryphoros se expande. O braço relaxado, o ombro está caído. A perna direita suporta o peso, o quadril é levantado. O tronco, o quadril e o braço estão recolhidos. O contraste de um lado do tronco contraído e a expansão do outro confere ao corpo uma dinâmica de equilíbrio diferente da simetria estática dos kouroi, cujos lados esquerdo e direito são, basicamente, imagens espelhadas um do outro. A alternância de membros tensos e relaxados, combinada com um tronco moldável, é chamada de contrapposto. Este recurso tem sido usado em muitas ocasiões ao longo da história da arte, por ser tão útil para instilar uma sensação de vitalidade em figuras feitas de bronze ou pedra pintada.

Por outro lado, a inclinação da cabeça do Doryphoros para a direita quebra o ponto de vista único que as esculturas arcaicas possuíam. Ambos os lados da estátua têm qualidades diferentes, mas cada um separadamente é harmonioso e belo. O lado direito oferece uma sensação de descanso, graças à continuidade da linha vertical que vai do pé direito (que suporta o peso) até o braço em posição relaxada. O lado esquerdo, pelo contrário, é angular, e a posição do cotovelo corresponde à curva acentuada do pé esquerdo relaxado.

Embora não se tenha chegado a uma conclusão sobre as proporções do cânone, parece que a cabeça é a sétima parte do corpo; o rosto é dividido em três partes iguais: a testa, o nariz e sua distância até o arco torácico, e a prega da virilha são arcos do mesmo círculo, entre outras medidas e proporções. Para Policleto, beleza se traduz em proporção.

O "Doryphoros" é a forma prática dos princípios teóricos formulados por Policleto, infelizmente perdidos em um livro chamado, justamente, "Kanon". É frequentemente repetida a afirmação de que o Doryphoros forma a mais alta aspiração do escultor grego, que era a proporção ideal perfeita dentro de um naturalismo. Este trabalho estabeleceu uma nova maneira de representar o corpo humano, tanto nas representações de deuses quanto nas de seres humanos, tornando-se o motivo fundamental da arte desenvolvida pelos gregos no período clássico, da época das Guerras Médicas até o fim do reinado de Alexandre, o Grande (475 a.C. - 323 a.C.) – de grande influência histórica para a arte no mundo particular e na cultura em geral.

O Discóbolo (O Lançador de Disco)

Vamos discutir o trabalho que recebe o título de "Disc Thrower" (Lançador de Disco) e é uma cópia em mármore de uma escultura em bronze feita pelo escultor grego Míron, que viveu e trabalhou entre 480 e 440 a.C., um dos melhores representantes do período da escultura grega clássica.

Este exemplar apresenta a peculiaridade de ser uma cópia em mármore de um original em bronze, que não chegou até nós. Por isso, é difícil saber quanta fidelidade ao original perdido o trabalho discutido mantém. A escultura que analisamos retrata um atleta no momento do lançamento do disco. O fato de ter escolhido este momento para representar o atleta, e não o repouso característico dos kouroi do período arcaico, mostra o caminho percorrido pela escultura grega em direção ao movimento.

É comovente e captura um momento fugaz, características principais deste escultor, que trabalhou principalmente em bronze. Ele imprime a inclinação para a frente do atleta, o braço direito levantado que prende o disco, prestes a ser lançado, enquanto deixa cair o peso na perna direita, retardando a esquerda. Isso gera uma composição em ziguezague, gerada pela perna direita, que suporta o peso do corpo até o joelho, há outra linha que vai para o quadril, por um lado, e a cabeça, que termina no braço direito. Por outro lado, o escultor apresenta um maior naturalismo no momento da representação da anatomia, na representação dos músculos tensos do corpo do atleta.

O trabalho que discutimos ganhou fama na antiguidade, como evidenciado pelos diversos exemplares produzidos em oficinas por volta do primeiro século a.C. e que nos chegaram. É um claro exemplo da evolução da escultura grega. Assim, contra o plano e as formas hieráticas da escultura arcaica, este trabalho já demonstra o conhecimento da anatomia do escultor, refletido na tensão dos músculos do atleta flagrado no instante antes do lançamento do disco. No entanto, este escultor, Míron, que trabalhou em meados do século V a.C., ainda apresenta alguns aspectos arcaicos, como o fato de ser um trabalho de enquadramento frontal, o cabelo esculpido mal desenvolvido, ligado ao crânio, e a falta de expressividade do rosto, em clara contradição com a tensão do corpo em um momento de esforço máximo.

Míron está ao lado de Policleto e Fídias, pertencendo a uma geração que representa o auge da escultura do período clássico grego. No entanto, em suas esculturas ainda se mostram alguns aspectos que não mudaram e que, no entanto, estarão presentes em gerações posteriores de escultores.

Coliseu

Construído entre 70 d.C. e 80 d.C., durante a dinastia Flaviana, é um exemplo da arquitetura romana do período altoimperial.

A construção do Anfiteatro Flaviano foi iniciada durante o reinado do imperador Vespasiano, que inaugurou a dinastia Flávia, e terminou sob o sucessor da dinastia Júlio-Claudiana. Em uma tentativa de obter favores com a cidade de Roma e enterrar os anos sombrios do reinado de seu antecessor, Nero, Vespasiano decidiu drenar o lago que havia construído em sua Domus Aurea e construir no terreno seco um grande anfiteatro digno da principal cidade do Império.

Enquanto os romanos adotaram muitos dos edifícios criados pelos gregos, o anfiteatro é uma obra originalmente romana, criada pela fusão de dois teatros, e cujo espaço foi concebido para combates entre gladiadores e feras, e para as execuções públicas, espetáculos sangrentos populares entre o povo romano.

A grande obra do Coliseu, cujo nome deriva da estátua colossal de Nero representada como Hélios que estava próxima, era um exemplo da capacidade romana para construir grandes edifícios. Construído em blocos de travertino com juntas de concreto (caementicium opus), e tufo, o edifício tinha dimensões extraordinárias de 187 metros de comprimento por 155 de largura e quatro andares.

A fachada é organizada em torno de quatro níveis articulados, cada um com uma ordem clássica diferente: a ordem toscana reservada para o primeiro andar, jônica para o segundo e coríntia para o terceiro. Igualmente nova é a utilização conjunta do arco e da verga. O quarto andar foi uma extensão de Domiciano, e consiste em um corpo sólido com pilastras e suportes, destinado a apoiar os mastros de madeira que sustentavam um enorme toldo ou velarium, destinado a proteger do mau tempo todos os espectadores.

Com 80 arcos, chamados vomitoria, ocorria o acesso e a saída do edifício, permitindo o esvaziamento do edifício, cuja capacidade atingiu 50.000 espectadores em poucos minutos. Uma vez lá dentro, vemos o primeiro uso da abóbada, originada da interseção de duas abóbadas. A arquibancada foi dividida em zonas diferentes, sendo a área mais próxima da arena chamada ima cavea, a intermediária media cavea, e a mais alta summa cavea.

Sob a arena, foi construído sob o imperador Domiciano também o hipogeu, uma extensa rede de galerias e sistemas de guindastes e roldanas, cuja função era facilitar os espetáculos que ocorriam na arena, permitindo a remoção de animais, gladiadores ou cenários.

O Coliseu foi inaugurado durante o reinado do imperador Tito, em 80 d.C., e durou 100 dias de espetáculos inaugurais, durante os quais milhares de animais e pessoas foram massacrados. O Coliseu, a partir do momento de sua construção, tornou-se um símbolo do Império Romano. Esteve em uso até que os jogos de gladiadores foram proibidos no século V. Nos séculos seguintes, o Coliseu tornou-se uma pedreira que forneceu materiais de construção para os edifícios de Roma, até 1749, quando o Papa Bento XIV consagrou o edifício à memória dos mártires cristãos. Sua influência arquitetônica em épocas posteriores, como o Renascimento, foi notória. Em 1980, foi declarado Patrimônio Mundial da UNESCO.

Alhambra (O Pátio dos Leões)

O trabalho que vamos discutir é conhecido como o "Pátio dos Leões", talvez a parte mais famosa da Alhambra, em Granada, o último e espetacular monumento hispano-muçulmano na Espanha. Foi construído entre os séculos XIV e XV pela dinastia Nazari de Granada. O Pátio dos Leões, em particular, foi construído no século XV por Maomé V.

O trabalho que discutimos, o Pátio dos Leões, fazia parte de um conjunto muito mais amplo que incluía os Palácios ou Casas de Comares e os Leões, e a cidadela ou fortaleza, que desempenhava uma função claramente defensiva. A função defensiva do palácio da Alhambra é acentuada pela sua localização no sopé da Serra Nevada. Seu nome deriva de al-Qal'a al-hamra, "a fortaleza vermelha", devido à cor vermelha de suas pedras no exterior e à simplicidade de suas formas, das quais se projetam as formas cúbicas das torres, e que nada pressagiavam do interior ricamente decorado.

O Palácio dos Leões, o último a ser construído, anexo ao de Comares, está organizado em torno de um pátio. Desta vez, é um pátio modelado após o claustro do mosteiro, com pórticos em todos os quatro lados, apresentando uma abundância de colunas finas e uma série de arcos, geralmente nazaris, cobertos por capitéis decorativos em forma cúbica ou de estalactite.

Nos lados mais curtos, encontram-se dois pavilhões cobertos com empena, destacando-se a decoração com motivos em painéis de gesso dourado baseados em ataurique (arabescos) e arcos falsos de estalactites, além de azulejos decorativos com temas geométricos entrelaçados.

No centro do pátio, uma grande fonte aparece apoiada por doze leões que alimentam quatro riachos que se conectam a quatro fontes menores, localizadas nas quatro salas principais do palácio. O simbolismo, juntamente com a abundância de árvores e plantas aromáticas que decoravam o pátio, deve ser relacionado à ideia do paraíso islâmico.

Nos lados longos, encontram-se os aposentos conhecidos como Abencerrajes e as Duas Irmãs, que evidenciam tanto a riqueza de sua decoração quanto suas belíssimas cúpulas de estalactites, construídas em gesso cobrindo uma viga do telhado. Nos lados mais curtos, aparecem salas sucessivas ligadas por arcos falsos de estalactites, e a luz provém tanto do lado do palácio quanto da luz do teto que penetra através das claraboias acima do telhado de duas águas, criando complexos e belos efeitos. Entre essas salas está o chamado "Salão dos Reis", devido à decoração pictórica da abóbada onde aparecem reis da dinastia Nazari (raro exemplo de decoração figurativa na arte islâmica).

Estamos, sem dúvida, diante do exemplo mais rico e tardio da arte islâmica na Espanha. No entanto, este palácio com salas dispostas em torno de um pátio central com fontes, canais e plantas não é original, havendo exemplos anteriores como o Palácio do Castillejo em Monteagudo, Múrcia, do período Almorávida (século XII).

Mesquita de Córdoba (Maxura)

O trabalho que vamos discutir é uma das partes da Mesquita de Córdoba. Especificamente, na imagem podemos ver a maxura da mesquita, ou seja, a área antes do mihrab, reservada ao califa. Estamos, portanto, confrontados com a parte mais nobre da mesquita, o que se traduz em uma decoração mais rica.

Esta maxura, ao lado do mihrab, é resultado das expansões realizadas sob o reinado de Al-Hakam II, no século XI, além de modificações e extensões sucessivas à mesquita que estava em construção desde sua primeira época, com Abd-al-Rahman I, no século VIII.

A área da imagem transmite a primeira impressão de nobreza, ricamente decorada, como convém à área mais importante do edifício. Os materiais utilizados em sua construção são tijolo simples e pedra, mas depois aparecem cobertos com diferentes mármores coloridos, mosaicos e pasta de vidro que melhoram a visão geral.

O sistema de construção varia ligeiramente do utilizado no resto do edifício, de modo que, mesmo usando dois níveis, ainda é alta: colunas no primeiro nível e pilares no segundo nível, ligados por colunas finas. Além disso, repete-se a sobreposição de arcos que ocorre em toda a mesquita: o arco de ferradura usado no segundo andar, enquanto no primeiro se recorre ao arco polilobulado falso, em cujas chaves se iniciam novos arcos.

As aduelas dos arcos da sala de oração, aqui, passam a ter segmentos alternados lisos e decorados com ataurique (arabescos). Vemos parte do mihrab, que foi usado como arco de ferradura pelo Califado, e é conhecido por seu rico mosaico de cores, azul e dourado, decorado com trabalhos epigráficos e ataurique, feito por artesãos bizantinos enviados pelo imperador de Bizâncio.

Como os meios de comunicação mudaram, mesmo nessa área foi escolhida a abóbada em vez do lintel com teto do resto do edifício. Para este fim, foram escolhidas abóbadas nervuradas que não se cruzam no centro, criando uma estrela em cujo centro se abre uma cúpula lobulada. A transição do quadrado para o espaço poligonal, que permite esta solução construtiva, é realizada por pequenas cúpulas nos cantos, sustentadas por arcos chamados mocárabes.

As abóbadas decoradas com mosaicos parecem semelhantes às do mihrab.

A maxura e o mihrab, construídos por Al-Hakam II, são a área de decoração e construção mais rica, visível no uso do arco polilobulado, das abóbadas nervuradas e dos mosaicos de inspiração bizantina, e no uso de mármore policromado. Sem dúvida, foi o final perfeito para uma construção que começou na época de Abd-al-Rahman I e sofreu expansões sucessivas devido ao crescimento de Córdoba, uma cidade sofisticada e culta, comparável a Constantinopla no Ocidente e Bagdá.

Contudo, esta não seria a expansão final, pois, em tempos de Hixam II, o líder Almançor, quis expandir a mesquita, e, vendo a impossibilidade de continuar a expansão para o sul, devido à proximidade do Guadalquivir, decidiu expandir para leste, resultando na descentralização do mihrab e da maxura em relação ao conjunto. Essa expansão não atingiu a beleza e a qualidade das partes anteriores.

A Mesquita de Córdoba é, sem dúvida, um dos legados mais belos deixados pela presença muçulmana na Espanha. A construção de uma catedral gótica em seu interior alterou a visão do conjunto, mas sobreviveu à destruição de locais semelhantes, como a mesquita de Sevilha.