O Drama Espanhol do Século XX: Análise e Influências

O Drama do Século XX Espanhol Antes de 1939

No final do século XIX, foram representadas obras conhecidas como "alta comédia" por Echegaray e seus seguidores. Melodramas buscavam a emoção do espectador através de muitos efeitos dramáticos e cenas impactantes. O gosto do público, um pouco refinado, e o interesse limitado dos gerentes de teatro impediram qualquer tentativa de renovação da cena teatral.

Sobreviveram no primeiro terço do século: 1) a comédia burguesa (alta comédia rural e drama), 2) a farsa do ambiente de Madrid ou Andaluzia, que evoluiu para outras formas, como a tragédia grotesca ou Astrakhan, e 3) o espírito final do século modernista, que desdenhava o teatro realista e desenvolveu um drama poético e simbólico que apresentava uma visão idealizada da história e usava o verso como o principal veículo da linguagem dramática.

As tentativas mais sérias de renovação vieram dos homens de 98 (Unamuno, Azorín e Valle-Inclán, em princípio, e na década de trinta, dos poetas da Geração de 27, como Garcia Lorca). Poucos trabalhos puderam ser representados.

Os diferentes grupos e tendências do drama espanhol antes de 1936 podem ser agrupados nas seguintes seções:

O Teatro dos Autores de 98

Além de créditos comerciais, esses autores (Unamuno, Azorín, Valle-Inclán e Jacinto Grau, especialmente) tentaram fazer um teatro que servisse como um canal para a expressão de conflitos religiosos, existenciais e sociais (neste último aspecto, destaca-se Valle-Inclán).

Faz-se um complexo teatro onde tendências intelectuais e filosóficas se ligam à renovação do teatro, com uma visão mais ocidental da época. Tecnicamente, tentaram romper com as formas de representação realista, destacando-se, sobretudo, Ramon del Valle-Inclán.

Valle-Inclán

Sua produção é variada e inclui romances, contos, poesia e teatro. Em todos esses gêneros, há uma evolução paralela de mudança ideológica que acontece em um estilo moderno, elegante e nostálgico ("As Sonatas" - entre 1902 e 1905) e uma revisão da literatura, baseada em uma distorção da realidade cruel ("O Grotesco", de 1920). Seu trabalho é normalmente dividido em três ciclos:

A) Mito: A ação ocorre na Galiza mítica, atemporal: Comédia Palavras Bárbaras Divino.

B) A Farsa: Obras localizadas em um ambiente mais "ridículo", típico dos jardins do século XVIII, como La Marquesa Rosalinda, Farsa e Rainha Licença Castiza.

C) O Grotesco: Luzes da Bohemia (1920) e a trilogia "Mardi Gras" ("Os Chifres de Don Friolera", de 1921, "A Roupa do Defunto", de 1926, "A Filha do Capitão", de 1927).

O grotesco é uma tentativa de apresentar a realidade espanhola, mas não dando uma visão realista, e sim apresentando os fatos de forma exagerada e burlesca. Ele apresenta uma realidade distorcida, de modo que os espectadores são surpreendidos e se tornam cientes disso. O objetivo é similar ao que perseguia Bertolt Brecht, com sua técnica de "distanciamento". Ele vem em um cenário mundial incomum e surpreendente para o espectador, que se relaciona com sua própria realidade cotidiana e percebe que isso também é incomum.

O Teatro Grotesco (há obras que não são de teatro grotesco: o poema "Kif Pipe" e os romances "Tirano Banderas" e "A Arena Ibérica") é um teatro crítico em uma falsa realidade e valores que não fazem sentido (atitude crítica dos homens de 98, que incorpora Vale após um período de literatura cheia de princesas preciosas, salões e aristocracia, mas dessa vez a crítica tinha rendido noventayochista).

Luzes da Bohemia inicia uma nova estética. A peça conta a história de Max Estrella e seu companheiro Latino em Madrid, durante uma noite (uma noite, desde o anoitecer até o amanhecer do dia seguinte).

Max Estrella, depois de ter sido privado da possibilidade de sua família viver bem, tendo sido preso e espancado, perdeu sua dignidade ao aceitar uma pensão arbitrária. Ele morre inclinado para o batente da porta e é traído e saqueado por seu guia (que rouba sua carteira).

Os personagens fictícios são pessoas reais disfarçadas, mas há também alusões a figuras históricas em seus próprios nomes: Unamuno, Alfonso XIII, Pastora Imperio, Antonio Maura, Joselito.

Teatro na Geração de 27

B. - 2. Teatro da Geração de 27 Embora a maior parte da produção de 27 seja composta de poesias, vários componentes da geração tentaram o teatro. São obras interessantes de Salinas ("Ditador"), Rafael Alberti ("A Monstruosidade"), Miguel Hernández ("O Lavrador de Mais Ar") e Alejandro Casona ("A Dama do Amanhecer").

Federico Garcia Lorca

O drama de Lorca pode ser agrupado em três seções:

Primeiro Jogo: Em 1920, estreia "A Maldição dos Borboletas", uma obra de influência modernista sobre o amor entre uma barata e uma linda borboleta, que abre a questão fundamental do drama de Lorca: a insatisfação romântica. A estreia foi um fracasso, mas Lorca logo se redimiu com "Mariana Pineda", um drama histórico baseado na heroína executada por Fernando VII, em Granada, que bordou uma bandeira liberal. Essas duas obras são unidas por uma farsa trágica sobre amores infelizes, como "A Mulher do Sapateiro Prodigioso" e "Amor de Don Perlimplín com Belisa em seu Jardim". Neste primeiro período, ele também compôs várias peças curtas de teatro de marionetes, que deu o nome de "O Cassetete Títeres" - desenvolvendo outras questões nucleares do drama: o conflito autoridade/liberdade.

Teatro Avant-Garde de Comédia: mistério ou impossível.

Lorca deu esse nome para as peças criadas sob a influência do surrealismo. A técnica surrealista vale a pena explorar os instintos ocultos do homem. Assim, em "Público" (incompleto), Lorca se destaca como um amor instintivo fora da vontade, que se manifesta de várias formas, incluindo os homossexuais, e critica uma sociedade que condena qualquer um que seja diferente.

A Fase de Integridade: Lorca escreveu nas peças que o levaram a alcançar o sucesso comercial, como "Bodas de Sangue", "Yerma", "Dona Rosita a Solteirona" e "A Casa de Bernarda Alba". Todos têm em comum o papel das mulheres, cuja situação de exclusão social é um tema comum em todos os quatro.

"Bodas de Sangue" e "Yerma" são duas tragédias arcaicas em que Lorca mistura prosa e verso, usando o refrão como na tragédia grega para discutir a ação, simbólica e alegórica. Em "Bodas de Sangue" (uma noiva foge com seu ex-namorado no dia do casamento), são conhecidos os temas de Lorca (amor, violência, morte, normas sociais que reprimem os instintos). "Yerma" aborda outras questões muito caras a Lorca: a infertilidade, a opressão das mulheres, o desejo de conduta que conflita com a moral tradicional. "Dona Rosita a Solteirona" é um drama urbano, também em prosa e verso, mas aqui o verso serve para satirizar e parodiar a única das meninas das províncias que esperam o amor desnecessariamente, condenadas em um meio burguês medíocre que sufoca o desejo de felicidade, o drama do "kitsch espanhol, o fanatismo espanhol", como Lorca mesmo observa.