Federico García Lorca: Poesia e Teatro

Forma e Estilo na Poesia de Lorca

Tudo isso é expresso em linguagem de grande força expressiva, capaz de recriar de maneira admirável no leitor a mesma experiência angustiante do poeta. Com frequência, falou-se sobre as relações do livro com o surrealismo. Apesar de inconsistente, raramente chega a ser profunda e persistente a elaboração de metáforas, de acordo com os cânones do Barroco, mas de extrema dificuldade. A pegada surreal é mais evidente no grito de rebeldia e de consciência social radical.

Frente ao metro regular dos livros anteriores, Lorca agora dá preferência ao verso livre, mas assonância e rima sobrevivem em determinados textos. Nos livros seguintes, Lorca cultiva um tipo de poesia que se relaciona consigo mesmo e com um erotismo mais intenso. Além disso, embora não abandone totalmente a versificação livre, esquemas métricos regulares reaparecem.

Com Divã do Tamarit, mais estimulado pela leitura dos poemas arábico-andaluzes, que tinham acabado de ser traduzidos por E. García Gómez, e seu conhecimento da antiga poesia árabe, tenta uma nova aventura poética. Note-se, no entanto, que o livro tem pouco a ver com a visão superficial e atual do Oriente que cativou muitos europeus desde os poetas românticos. Se desconsiderarmos o tom fortemente sensual, Lorca se mantém fiel às suas obsessões habituais.

Em Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, um de seus poemas mais perfeitos, Lorca faz uma homenagem ao seu amigo, o toureiro Ignacio Sánchez Mejías, que morreu em 1934. Embora haja alusões ao mundo das touradas, Lorca, que sempre se recusou a tratar diretamente com esse universo, evita interpretações folclóricas e pitorescas, focando em elementos filosóficos. Nas quatro partes que o compõem, tudo é subordinado à apresentação, em meio a uma atmosfera surreal, de uma figura mítica e excepcional, que carrega a morte, o nada. O mais notável, além da extraordinária qualidade da linguagem poética, é a perfeita adaptação da métrica ao sentimento elegíaco expresso pelo poeta.

Os Sonetos do Amor Obscuro devem estar dentro da tendência neoformalista que se advertia na poesia espanhola da época, e se tornará mais pronunciada no início da década de quarenta. Em dois poemas que foram preservados, apesar de presente, como no livro anterior, o erotismo, existe uma experiência de amor mais espiritual. Isto é provavelmente porque, conforme observado por Miguel García Posada, "o fato de que esses sonetos celebram o amor e consumam uma relação romântica duradoura". Angústia, ansiedade ante a perspectiva de perder esse amor é, naturalmente, uma das questões dominantes.

O Teatro de Lorca

O desejo de Lorca de buscar, a partir dos anos 30, uma literatura mais sincera e comprometida com seus próprios conflitos e com os problemas do homem em geral, encontrou uma resposta adequada no drama. No drama de Lorca, existem dois planos opostos da existência: uma relação íntima e subjetiva, livre, lírica e uma repressão externa, em sua convencionalidade. Em suas peças, Lorca sugere que a transgressão dessas regras de aplicação é a única maneira de liberar uma realidade convencional, mas a resolução do conflito dramático também é sempre clara: a quebra das regras implica a solidão da morte ou a frustração. Estas são as suas grandes obras dos anos trinta.

Antes, Lorca escreveu uma série de peças leves que, em alguns casos, avançam as possibilidades futuras de suas grandes obras. Seu primeiro sucesso dramático, Mariana Pineda (1925), tem semelhanças com o drama "poético" em verso, o tratamento romântico, a temática histórica... Maior sucesso tiveram A Sapateira Prodigiosa (1926 e 1933), onde já existe um conflito que nasce do embate entre o desejo e a realidade, e Dona Rosita, a Solteira, ou a Linguagem das Flores (1935), que possui um caráter de frustração por não ter vivido o amor no tempo certo.

Nos anos 30, Lorca compôs a obra surrealista O Público (1930), cujos símbolos e imagens são estranhos. No final, existem claras referências à homossexualidade. Seus melhores jogos são o que se poderia chamar de "trilogia dramática da terra espanhola", que desenvolve o tema da oposição e confronto entre o desejo e as forças de repressão da liberdade.

• Bodas de Sangue (1933), a mais importante, é um drama vívido de amor impossível entre ciganos.
• Yerma (1934) é uma tragédia de amor contrariado, o drama de mulheres inférteis cujo desejo de amor se transforma em ódio irracional pelo marido. O desenvolvimento significa que quase todo o peso recai sobre a protagonista, e o resto dos personagens agem como um coro trágico.
• A Casa de Bernarda Alba (1936), sem sombra de dúvida a melhor das três, apresenta uma abordagem mais realista, apesar do simbolismo marcante de muitos de seus elementos. É quase um tipo de produção "social", comprometida com a sociedade real de seu tempo.

A Casa de Bernarda Alba: Uma Análise

A Casa de Bernarda Alba caracteriza o autoritarismo de uma mulher que enviuvou pela segunda vez, e suas cinco filhas, que estão enclausuradas em sua casa para manter um luto muito rigoroso. Toda a ação ocorre no silêncio da casa. O mundo exterior, representado pelo povo e por Pepe el Romano, é o verdadeiro impulso para a ação: o objeto de desejo de todas as filhas de Bernarda, mas apenas Adela, a caçula, segue com a sua rebeldia, seu confronto com a repressão, a autoridade e as convenções de sua mãe e do povo. Termina em morte.