Arquitetura e Arte do Século XX: Racionalismo, Orgânico e Abstração

Arquitetura do Século XX

No século XX, os problemas e as necessidades do homem são novos, sem histórico de referência. É preciso analisar o verdadeiro significado da arquitetura, e o tempo não pode ser considerado suficiente se não for uma visita de trabalho no interior. Esta nova estética reside na função. Se o edifício está harmoniosamente distribuído em seu interior, se encontra integrado ao ambiente e se sua habitabilidade é agradável, o prédio é belo.

Desvinculados do compromisso com o passado, os arquitetos do século lidam com volumes e espaços com critérios completamente diferentes, utilizando novos materiais e novas necessidades: Racionalismo.

Racionalismo: Bauhaus e Le Corbusier

O movimento conhecido como Racionalismo traz as mais fortes personalidades deste século. Sua obra e teoria têm como denominador comum a simplicidade da forma: a forma segue a função. Utilizam-se materiais industrializados, especialmente o concreto, um material adaptável, à prova de fogo, anticorrosivo e que permite uma estrutura esquelética barata, liberando a planta. Alterna-se com outros materiais, tais como vidro, aço e tijolo.

O muro perde sua função de suporte, sendo reduzido a uma pequena membrana que encerra um grande número de janelas, fornecendo luz e ventilação ao interior. Os diferentes meios de comunicação são os pilares de aço e concreto. As coberturas são geralmente vigas que apoiam a mídia, formando o esqueleto, resultando em um efeito de construção leve e ousado. Os elementos decorativos desaparecem em favor da linha reta e nua. Há uma grande preocupação com a proporção, simplicidade e assimetria.

O espaço interno baseia-se em plano aberto, com paredes interiores que se curvam e se movem livremente para se adaptar a diferentes funções. Nos exteriores, saliências, terraços baixos e horizontais definem a nova imagem. Há um grande interesse em questões urbanas, propondo novas fórmulas como a cidade-jardim ou a vila industrial (Howard - T. Ganier).

Bauhaus

A Faculdade de Arquitetura e Artes Decorativas foi fundada em 1919 por Gropius em Weimar (Alemanha), sendo um centro de ensino experimental de arquitetura e design. Foi chamada de Bauhaus, "Casa da Construção". Mudou-se para Dessau e foi encerrada em 1933, quando seus principais professores emigraram para a América para escapar do regime nazista.

• Walter Gropius (1883-1969): Seu primeiro trabalho importante foi a Fábrica Fagus (1911), concebida como uma bela combinação de ferro e vidro. Sua grande obra é o edifício da Bauhaus, onde professores e alunos colaboraram. A central é composta por três braços que se estendem livremente, multiplicando os pontos de vista. As paredes são de concreto armado e vidro.

Le Corbusier (1887-1965)

Nascido na Suíça, realizou a maior parte de sua obra na França. Aprendeu o uso do concreto armado com Perret. Estudou propostas urbanas para cidades emergentes de três milhões de habitantes.

Em 1926, construiu a Villa Savoye, que consiste em uma estrutura de concreto armado caiada, de inspiração mediterrânea, que se baseia na arquitetura:

• Uso de pilotis: pilares que sustentam a estrutura no chão, deixando um espaço transitável.
• Terraço-jardim, possibilitado pelo uso do concreto, que facilita a construção de telhados planos.
• Fachada livre.
• Multiplicação infinita de janelas: janelas-grade divididas por hastes de metal.
• Planta livre para alterar a função da parede, resultando em propostas mais arejadas.

Em seu tratado de 1935, Le Modulor, ele coleta seu planejamento. É um teórico, mas não utópico, pois a maioria de suas propostas foi aplicada em obras. Uma aplicação imediata foi a Unidade de Habitação de Marselha (1946-1952), destinada a famílias trabalhadoras, com moradia e preços acessíveis. Em 1950, seu racionalismo se suaviza e se aproxima do organicismo, expresso em sua obra-prima, Notre-Dame du Haut em Ronschamps.

Arquitetura Orgânica

Para a arquitetura orgânica, deve-se compreender toda a expressão arquitetônica tentando encaixar uma aliança com a natureza. Essa ideia pode ser encontrada na arquitetura desde a antiguidade, mas sua formulação se consolida com Frank Lloyd Wright (1869-1959).

É definida por:

• Senso de lar e plano real, como a flexibilidade e continuidade do meio ambiente.
• Unidade entre interior e exterior.
• Utilização de materiais naturais e proteção da casa.

Com Wright, o Racionalismo começou a ser esquecido, testando novos caminhos para a arquitetura. Sua ampla formação, influenciada por sua viagem a Tóquio e sua fascinação pela arquitetura japonesa e pelos templos maias de Yucatán, resultou na Casa da Cascata, na Pensilvânia, uma simbiose entre a natureza e a bela arquitetura. Com suas formas arredondadas, ele experimentou no Museu Guggenheim de Nova York (1943-1958). Neste caso, garantiu que o museu tivesse espaços luminosos com luz controlada, sem rotinas para a área, e um lugar para desfrutar de um deslize contínuo de uma peça de exposição.

Escultura

A escultura sofre uma revolução radical no século XX. Sua evolução, mais lenta que a da pintura, talvez devido à sua maior subordinação à ordem e aos materiais caros necessários, age como um freio à experimentação. A escultura assume um valor em si mesma, tornando-se independente de um ambiente específico. Como a pintura, tende à abstração e ao uso de novos materiais.

Começos: O Vazio e o Movimento

Os conceitos que revolucionarão a escultura são o vazio e o movimento.

• Pablo Ruiz Picasso (1881-1973): Rompeu com a tradição e introduziu a decomposição formal com linguagem geométrica, sustentando o desenvolvimento da abstração e introduzindo concavidades que serviram para integrar o vácuo como elemento escultórico. Entre 1904 e 1914, fez esculturas introduzindo novos materiais (folhas, fios, barbante), que ganham vida com o aparato.
• Pablo Gargallo (1881-1934): Trabalhou com chapas de ferro, dando formas cubistas (Ex: O Profeta).
• Constantin Brancusi (1876-1957): Em espírito independente, experimentou com a preocupação de penetrar além da aparência, até a essência e a beleza, eliminando detalhes e simplificando as formas. Ele evita o volume fechado e tradicional, mas dá vida aos objetos de forma diferente, com grande simbolismo e estilização (Ex: O Beijo).

O Período Entre Guerras

• Julio González (1876-1942): Talvez o principal escultor do período entre guerras. De família catalã de ourives e ferreiros, familiarizou-se com a forja e os desenhos ornamentais da joalheria Art Nouveau. Em 1937, apresentou na Exposição Internacional de Paris seu Montserrat, de enorme drama, refletindo a dor da situação de uma Espanha devastada pela guerra. Foi o primeiro a usar o ferro de forma sistemática.

A Segunda Metade do Século até o Presente

• Henry Moore: Busca a força além da beleza convencional. Um de seus temas favoritos é a figura feminina reclinada, criando uma imagem evocativa e materna. Outro tema comum é o das mulheres associadas à fertilidade, com inspiração pré-histórica. Gosta de trabalhar com o material e seguir o caminho que ele indica, em vez de alterar deliberadamente a forma natural de uma pedra. (Ex: Figura Reclinada e Mãe e Filho).
• Alexander Calder (1898-1976): Figura singular, inventor da escultura em movimento, para o qual foi bem preparado com seus estudos de engenharia. Seus "objetos livres", apoiados ou suspensos, feitos de chapas de metal, geralmente se movem com correntes de ar mínimas.
• Eduardo Chillida (1924-2003): Obras em ferro, aço, madeira, concreto, alabastro. Há uma considerável elegância em suas estruturas arquitetônicas e presença majestosa.

Pintura

A pintura do século XX estabelece valores a serem alterados. O artista, imerso nessas mudanças, está em uma nova dimensão, e a inovação em todos os campos da expressão artística define esta fase. É importante considerar a fecundidade da arte contemporânea, que provoca o aparecimento lado a lado de movimentos, por vezes de duração efêmera, refletindo as mudanças que ocorrem e a grande capacidade criativa do homem.

Sofre a maior transformação, rompendo com as convenções da Renascença sobre perspectiva e representação figurativa. O artista busca uma maneira diferente de expressar a realidade, mudando os valores subjetivos para colorir e enfatizar a velocidade e a simultaneidade das condições de vida contemporâneas. As tensões políticas e sociais são graves durante a primeira metade do século, e tanto a guerra quanto o período entre guerras fazem com que os artistas produzam sua raiva, frustração com o absurdo e a necessidade de expressar a dureza do mundo em que vivem, afastando-se da linguagem e dos costumes tradicionais. Muitos artistas de vanguarda inicial aderiram ou participaram ativamente de movimentos políticos de diferentes sinais.

Fauvismo: Liberdade na Cor (1905-1910)

O Fauvismo pode ser considerado um dos primeiros movimentos de vanguarda do século, apesar da coesão e objetivo comum de um grupo de pintores cuja formação foi efêmera.

• Liberdade na cor: Uso da cor até a excitação ou violência, ou tonalidades misturadas. A cor é independente do objeto, resultando no uso arbitrário da natureza (árvores verdes, mar azul, etc.).
• Extrema simplificação das formas e elementos: Objetos e contornos são delineados com traços de pincel grosso, largo, áspero e cheio de manchas de cor lisa.
• Interpretação lírica e emocional da realidade: Temas como belas paisagens ou retratos. A profundidade desaparece e os volumes são delineados com pinceladas fortes, sem o uso do chiaroscuro. A ruptura com a visão tradicional é um fato consumado; é figurativo, mas antinatural.

Henri Matisse (1869-1954)

O verdadeiro Fauve, que se manteve fiel ao movimento durante toda a sua vida. Caracteriza-se por simplificar o modelo, traduzindo sua exaltação por meio da cor, em áreas que muitas vezes não coincidem com a natureza real do objeto. O retrato de sua esposa, La Raya Verde, é dominado por uma linha perpendicular à frente, onde a cor é um bom exemplo de seu antinaturalismo. Em grandes composições, mistura cores com ritmos curvilíneos da Art Nouveau e o arabesco do mundo muçulmano, como mostrado em A Dança e na decoração da Capela do Rosário (1951).

Expressões: A pintura seria substituída por recortes feitos à tesoura em seus últimos anos, substituindo os pincéis.

Expressionismo

O termo refere-se à pintura em que o risco subjetivo prevalece sobre a representação da objetividade. As ansiedades levantadas pelo homem vital têm uma carga dramática, pessimista e crítica. O termo inclui obras e autores de um período prolongado, embora a arte atinja maior intensidade na Alemanha.

Suas características gerais são acentuadas durante os períodos de crise:

• O valor fundamental é a liberdade de expressão, mas com laços comuns. O artista expressa as emoções, querendo brincar com os sentimentos do espectador. Os momentos de tensão, frustração e as lágrimas causadas pela política levam à expressão de um grito de protesto na paleta dos pintores.

Na Alemanha, as cidades de Dresden, Munique e Berlim, juntamente com Paris, são os contatos culturais e artísticos onde surgem grupos de expressionistas:

• Die Brücke (A Ponte): Fundado em 1905 por quatro estudantes de arquitetura, sem interesse no Impressionismo. O nome é retirado da obra de Nietzsche, tentando ligar o passado ao futuro da arte alemã. Seus trabalhos misturam as cores dos vitrais com seu chumbo, e máscaras africanas. Usaram a xilogravura medieval, prenunciando os desastres da 1ª Guerra Mundial.
• Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul): Franz Marc e Vasily Kandinsky criaram o segundo grupo do expressionismo alemão no final de 1911, que se dissolveu no início da Guerra em 1914.

Kandinsky (1866-1944)

Músico, pintor e teórico. Em 1910, pintou a Primeira Aquarela Abstrata, onde a forma é secundária à arte. Aplicou a não-objetividade, com uma pintura de ritmo rotativo, com manchas de cor e sinais gráficos. Os pintores americanos testemunharam sua influência no final dos anos 40 com o expressionismo abstrato.

Cubismo

O nascimento do cubismo é um dos eventos mais importantes da arte contemporânea, pois representa a ruptura final e clara com a pintura tradicional:

• Desaparecimento da perspectiva (profundidade).
• Uso de uma gama de cores sóbrias (marrom, verde e tons de cinza suaves).
• Introdução da visualização simultânea de múltiplas configurações de um objeto (frente e perfil, por exemplo), removendo o ponto de vista único e a referência a um espaço fixo e imutável, aprofundando-se no interior dos corpos para representar o espaço interno.

As formas naturais são reduzidas a formas geométricas básicas: prismas, retângulos, cubos... daí o nome cubismo. Os pintores cubistas tentaram e conseguiram desenvolver uma nova linguagem pictórica baseada na decomposição da realidade (o que se vê) em vários elementos geométricos, apresentando os aspectos mais significativos dos objetos.

As raízes do cubismo residem na tentativa de fazer uma representação pictórica com base científica. Para o cubista, só é possível capturar a verdadeira natureza da realidade através de sua estrutura interna. A retrospectiva de Cézanne em 1907 teve uma influência decisiva sobre Picasso e Braque. Com o trabalho de Picasso Les Demoiselles d'Avignon (1907), inicia-se a ruptura irreversível com o conceito de espaço criado pela perspectiva renascentista.

Cubismo Analítico

Iniciado no final de 1909, esta fase do cubismo é caracterizada por analisar a situação e decompô-la em vários planos geométricos amplos e rasos, sugeridos por ocres e tons de cor cinza e simples. Nestes trabalhos, cria-se um novo conceito: pintura sobre pintura e espaço. Não há ilusão de profundidade, apenas a desintegração das formas do objeto a partir de diferentes pontos de vista apresentados na mesma superfície.

Cubismo Sintético

Aqui, o objeto não é discriminado, mas retomado (sintetizado) em seus aspectos mais essenciais, sem estar sujeito às leis de imitação da aparência. A aplicação da colagem (papel ou outros materiais colados à tela) ajuda a formar a visão sintética dos objetos. Destacam-se como grandes artistas Braque (1882-1963) com o trabalho Copo, Garrafa e Papel, Picasso, Vive la France, Juan Gris e Léger.

Picasso (1881-1973)

Junto com Braque, foi o fundador do cubismo. O clima boêmio do pintor modernista catalão o preparou para a vida em Paris, onde chegou pela primeira vez em 1900. Seu momento de revelação foi a assimilação do impressionismo e pós-impressionismo. As origens de Picasso são mais acadêmicas, seu pai era professor de desenho na Escola de Artes e Ofícios em Manchester. Mudaram-se para Barcelona, onde frequentou ambientes modernistas, viajando depois para Paris.

Entre 1901 e 1904, ilumina-se o Período Azul, uma reação contra o impressionismo, onde expressa sua humanidade em tipos magros, infelizes e sofredores. Em 1904, sua paleta se clareia com o início do Período Rosa, que dá vida a uma iconografia inicial de personagens de circo e pequenos teatros viajantes. Todas as experiências cristalizam-se em uma obra crítica, Les Demoiselles d'Avignon (1907), que adotou um novo ponto de vista, com múltiplas visões simultâneas. Nos anos seguintes, produziu uma nova linguagem: o cubismo analítico (1906-1907) com obras como Cabeça de Mulher e Menina com Bandolim, e continuou com o cubismo sintético (1912-1916), como em Natureza Morta com Cadeira de Palha. Em 1923, alterna obras cubistas com realistas. Em 1936, com a eclosão da Guerra Civil Espanhola, Picasso expressa seus acentos trágicos em sua pintura. Em seu quadro Guernica, utilizou todo o conhecimento que havia tecido ao longo dos anos.

Surrealismo

O surrealismo é um movimento amplo que inspira uma nova sensibilidade. Seu objetivo é levar à livre expressão do que considera mais íntimo do homem: seu inconsciente e sua imaginação. O primeiro manifesto surrealista foi assinado por Breton em 1924, e através de sua leitura, estabelece-se a base deste movimento: "Acho que a próxima reunião destes dois estados, aparentemente contraditórios, como são o sonho e a realidade, em uma espécie de realidade absoluta, a surrealidade".

O surrealismo expressa o funcionamento real do pensamento sem o controle da razão, livre de preocupações morais ou estéticas. Há um ponto na mente a partir do qual a vida e a morte, o real e o imaginário, o passado e o futuro deixam de ser percebidos contraditoriamente.

Recursos comuns para traduzir esses conteúdos teóricos nas artes figurativas são:

• Máquinas fantásticas introduzidas.
• Fragmentos anatômicos isolados.
• Animar o inanimado, a metamorfose.
• Perspectivas vazias, criações evocativas do caos.
• Confronto de objetos incongruentes.
• Temática erótica, referindo-se à importância dada à psicanálise e ao sexo, mas cada artista imprime sua marca própria.

Salvador Dalí (1904-1989)

Seu trabalho pode ser resumido em surrealismo e provocação. Foi expulso da Escola de Belas Artes de Madri por considerar seus professores incompetentes e, em Paris, preparou-se para o Surrealismo (1929), quando Buñuel filmou com seu amigo "O Cão Andaluz". Seu trabalho é sempre inquietante, próximo da linguagem poética e, por vezes, cinematográfica, tendendo a quebrar os valores espaciais característicos da pintura e da literatura. Destaca-se sua qualidade plástica, o desenho incrível, intencionalmente influenciado pelo Renascimento e Barroco, com uma luz limpa e transparente.

Em seus primeiros trabalhos, como Menina na Janela, nota-se a correção do desenho, composição e cor, lembrando um clássico, notável por sua tentativa de romper com a convenção ao colocar a menina (sua irmã) de costas para o observador.

Dalí desenvolveu um método experimental que chamou de método paranoico-crítico. Dalí nota que o paranoico, ao contrário de outros doentes mentais, sintetiza logicamente seus delírios. Assim, à imagem real devem ser sobrepostas outras irracionalidades oníricas ocultas. O resultado de seu método é a imagem dupla, que representa duas ou mais realidades ao mesmo tempo, como no Retrato de Mae West.

A primeira fase surrealista é raivosa e amarga, as formas são mais alongadas, quebram ou são de aparência duvidosa, como em A Persistência da Memória, no Anjo da Arquitetura, ou Premonição da Guerra Civil (1936). Mais tarde, suas obras se tornam grandiosas e barrocas, como Leda Atômica ou Cristo de São João da Cruz, dotadas de um senso de espaço e composição clássica, mas sempre perturbadoras. Dalí praticamente abandonou a pintura em 1982, após a morte de sua musa e companheira, Gala Éluard. Alguns temas tornam-se obsessivos, como imagens simbólicas ou dobradas associadas ao sexo. Sua cor é brilhante. Os objetos, paisagens e pessoas são associações simbólicas envolvidas em uma atmosfera de sonho.

Abstração

O objeto na pintura do século XX foi submetido a todos os tipos de experimentos: cor reduzida no fauvismo, geometrizada no cubismo, distorcida no expressionismo, sonhada no surrealismo... Agora, na arte abstrata, a eliminação do objeto é definitivamente dispensada.

O objetivo de todos os artistas abstratos é concentrar o poder expressivo das cores e formas que não oferecem conexão visual com a realidade. O trabalho torna-se uma realidade independente, sem ligação com a natureza; as combinações de cores tentam simplesmente expressar uma necessidade interior em uma linguagem sem formas, como a música.

A cor é usada livremente, impulsionada pela inspiração. Um passo seguinte será o uso de outros materiais, como sacos, metal, areia, para as três dimensões da realidade da tela, o que muitos interpretam como desespero por esta indústria e uma nostalgia da natureza.

Após a Segunda Guerra Mundial, a arte se baseou em Nova York. Neste ambiente, surge o Expressionismo Abstrato Americano, com várias tendências. A mais famosa é a Action Painting (Pintura de Ação). Os pintores interessam-se pela fisicalidade do ato de pintar; estes artistas não abordam a tela com uma ideia preconcebida na cabeça.

Jackson Pollock (1912-1956)

Em sua pintura, o acaso tem grande valor. Utiliza o dripping, ou seja, o gotejamento da cor diretamente da embalagem sobre a tela no chão. Esta técnica reduz o controle do artista sobre o trabalho. Outra característica é a de obras de grande formato, estendendo-se aos limites da tela. Obras como [nº 1] e Ilhas Amarelas resumem essas características.