Vida e Morte na Poesia de Miguel Hernández

A vida e a morte na poesia de Miguel Hernández: Podemos ver que a vida e a obra de Miguel Hernández são inseparáveis, sendo um reflexo uma da outra e vice-versa, fluindo tanto para o sofrimento quanto para a morte. Poderia se fazer uma exceção em seus primeiros poemas (integrantes de El rayo que no cesa), que contêm uma vitalidade despreocupada; neste momento, sua vida é um desconhecido e sua obra, outra. Aqui, a vitalidade do poeta vê as coisas como se estivessem vivas: "a pedra ameaçada", "a lua se dilui", "o tange saúda o dia"... Daí a personificação contínua. Não há morte, ou se há, é uma morte poetizada no pôr do sol. Apesar da exaltação da natureza e da sensualidade levantina, surge uma melancolia em Perito en lunas: nela se encontra um toque de morte e tristeza. Mas a morte como um ingrediente da vida ainda não fora sentida.

As "feridas" hernandianas (de vida, amor e morte) começam a respirar em El rayo que no cesa, com canções de "punição amorosa" e o sentido trágico de que o amor é a morte. Na poesia de Miguel Hernández, amor e morte encontram seu alojamento no touro, no comando e no sangue. A estes símbolos associados à tragédia, junta-se uma constelação de símbolos afiados e dolorosos: "a espada", "o relâmpago", "a faca", "o chifre", "punhais", "ferro", "inferno", "pétalas de fogo"... São os símbolos das feridas de amor e morte. Neste ponto de sua vida: viver é amar, sofrer e morrer oprimido.

Em Viento del pueblo, a morte agora é parte da luta, da vida e também do amor. A morte aparece aqui como algo "eleito" pelos heróis do povo. No entanto, conforme a guerra se desenvolve, a esperança da vitória se afasta e a Espanha se mancha de sangue. Miguel Hernández modula sua voz para a dor e o pessimismo humano em El hombre acecha: "o amor é a morte, / e o homem persegue o homem". Hoje, o poeta começa uma viagem interior; na intimidade do que já se foi, o espaço é preenchido por leituras amargas e os poemas tingem-se de dor. A morte agora é um espetáculo de horror simbolizado no "trem" de sangue, derramando pela noite os membros amputados dos homens. Quando a guerra passa e o captura, a doença e o desespero da prisão mais cruel fazem os poemas de Miguel Hernández escurecerem com a decepção e a tristeza da "ausência de tudo".

Na prisão, no que poderíamos chamar de um "dia de desolação", sua obra Cancionero y romancero de ausencias fecha o ciclo de vida e morte, voltando para o amor. Não há salvação possível se não se ama, pois, acima de todas as calamidades, está o amor. Seus versos são os de um homem ferido que expressa sua dor, a dor que define a ausência: a morte de seu primeiro filho e a prisão (a ausência de sua esposa e do segundo filho). A palavra liberdade aqui está ligada ao amor, porque, pelo menos o sentimento, não pode ser preso.

Imagens e Símbolos de Miguel Hernández

A poesia de Miguel Hernández está repleta de símbolos que vagam entre o amor, a vida e a morte. Em sua primeira coleção, Perito en lunas (1933), há vários símbolos: o touro (sacrifício e morte) e a palma (comparada a um jato de amor). El rayo que no cesa (1936) tem como tema central a fatalidade trágica. Assim, o raio, que é fogo e queima, representa o desejo amoroso. O relâmpago é a representação do desejo doloroso, assim como a faca ou a espada. Por sua vez, o sangue é o desejo sexual; a camisa representa o masculino e o limão é o símbolo do feminino, como visto em: "Atirei um limão e amarga".

A frustração do poeta pela indefinição do ser amado é simbolizada em frases como: "Como o touro, eu nasci para o luto". Nesta coleção, encontramos símbolos das feridas de amor e morte:

• A espada e o punhal;
• O chifre e o ferro;
• O raio que não cessa e a faca carnívora.

Mas não é apenas amor e morte; há também a amizade, como na "Elegia a Ramón Sijé", cujos termos compõem um mosaico de raiva e tristeza. Há poemas que expressam a pura fidelidade à amada ("Meu nome é Miguel de lama"). Viento del pueblo (1937) exemplifica a poesia de guerra como arma de luta. O vento é a voz do povo encarnada no poeta. O povo que não luta é identificado com o boi, enquanto o leão é a imagem da rebeldia. A garra simboliza a crueldade e a animalização do homem pelo ódio da guerra. Em "O trem dos feridos", a morte é simbolizada pelo trem. Finalmente, o Cancionero y romancero de ausencias abre com elegias sobre a morte do primeiro filho, mas a esperança renasce com o segundo filho em Nanas de la cebolla. O amor à esposa e o riso do filho (asas) representam a liberdade do poeta.