Movimentos Artísticos do Século XX

1. Fauvismo

A origem deste movimento remonta a diversos ensinamentos e referências como Cézanne, Van Gogh, Gauguin e também da arte oriental.

Apesar de não constituir uma escola organizada, o Fauvismo pretendeu transmitir ao espectador emoções estéticas profundas através da exaltação das cores que delimitam e definem as formas planificadas, onde a ilusão da terceira dimensão se perde. Por isso, a perspectiva é rejeitada e os artistas sujeitam-se à bidimensionalidade da tela, respeitando o comprimento e a largura da mesma.

A expressão é dada pelas linhas e pelas cores, onde se ressaltam os efeitos contrastantes destas, pela pincelada directa e emotiva, pelo empastamento das tintas e, como consequência, pela ausência de modelado.

A temática não é relevante para os fauvistas e não tem qualquer conotação social, política ou outra, é apenas pretexto para transmitir alegrias ou tristezas.

Os artistas pertencentes, directa ou indirectamente a este movimento foram: Matisse, Derain, Vlaminck, Marquet, Mangin, Dufy, Van Dongen e Rouault.

2. Expressionismo

Die Brücke (A Ponte)

Nasceu como corrente de vanguarda com o objectivo de combater a arte do passado, condicionada pela tradução da realidade objectiva, renovando os seus fundamentos, rebelando-se contra a arte académica e contra o Impressionismo, assim como contra as consequências nefastas da era industrial.

Foram influenciados pelas formas e pelas cores de Van Gogh e Gauguin. Mas o linearismo dinâmico de Toulouse-Lautrec foi outra influência nítida, à qual se juntou, ainda, a arte inquietante do norueguês Munch e a pintura macabra de Ensor.

A nível da linguagem, foi figurativa, e a realidade era colocada como fonte de conhecimento e de inspiração, mas com o intuito de algo que se queria criticar, contestar ou destruir. As figuras expressavam os sentimentos humanos com vigor, dramatismo e até angústia. A sua estética foi patética e convulsiva, e consideraram que o desenho devia ser dado através da cor, numa manifestação espontânea, sem prévio delineamento. A cor foi então a substância rica utilizada com independência em relação ao objecto.

A expressão foi espontânea, temperamental, desenfreada e irreflectida, aparecendo como um esboço, tosco e inacabado, com espaços da tela por pintar. Isto, devido à procura de uma linguagem infantil e primitiva.

Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul)

Neste movimento de cariz expressionista quiseram ver a Natureza e o Homem pretendendo construir um quadro a partir das experiências, dos sentimentos subjectivos e das sensações de cada um, mas com um sentido global. Queriam construir uma arte pessoal fundada na meditação que, tal como disse Kandinsky, nascesse da necessidade interior.

O grande objectivo a que se propunham era reunir nestas exposições a Grande Vanguarda da Arte Europeia. Artistas alemães, russos, franceses, italianos e outros, todos reunidos num só grupo, ultrapassando fronteiras e barreiras nacionais. Era o elemento artístico que deveria impor-se e não o vocabulário utilizado por cada um. De qualquer modo sofreram influências dos pintores franceses Cézanne e Matisse. Como pontos comuns ao grupo mais restrito destaca-se:

• A dimensão lírica da cor, a sua claridade e força luminosa, pura e límpida, podendo ser dura ou macia, quente ou fria, doce ou amarga;
• O dinamismo da forma, sobretudo a sua capacidade de fascinar, a sua magia interna, a sua emoção;
• A reconquista da pureza da natureza, com tendência emotiva e abstracta da superfície.

Nova Objectividade

A Nova Objectividade tende a ultrapassar o subjectivismo expressionista e a utopia construtivista em nome de uma tomada de consciência da dramática realidade da pós-guerra.

É possível distinguir, no seio da Nova Objectividade, grupos de artistas como Otto Dix, George Grosz, Max Beckmann e R. Schlichter que desenvolveram um realismo fortemente comprometido que pôs a tónica na denúncia social. O seu estilo caracteriza-se pela tendência caricatural e por modos de construção da imagem sob influência dadaísta e com interesse pelos meios de comunicação de massa, os divertimentos populares e as condições de vida nas grandes cidades.

Os temas do desespero existencial e da não comunicação encontram-se em algumas obras.

No domínio da fotografia, a Nova Objectividade afastou-se das tendências picturais para sublinhar a especificidade desta técnica na captação das qualidades tácteis, luminosas e espaciais dos objectos, vistos através de um realismo objectivo.

3. Dadaísmo

O Dadaísmo (Dada) teve o seu início em 1916, na cidade de Zurique, no chamado Cabaret Voltaire. Foi um movimento global que envolveu as artes plásticas, a literatura, o teatro, a fotografia, o cinema e a música propagando-se rapidamente por toda a Europa e pela América. Este grupo acolheu no seu seio autores de diferentes expressões.

Serviram para recriar o caminho da arte, utilizando uma imaginação inventiva inesgotável, com recurso ao absurdo e ao incongruente, valorizando tudo o que era espontâneo, primitivo e inconsciente e negando a Razão. O dadaísta amou o absurdo.

As formas de expressão dadaísta utilizaram as dissonâncias e os ruídos espontâneos (música de ruídos), assim como a escrita automática (séries de sons em cadeias associativas), que revolucionaram a poesia e a arte gráfica.

(continuação) O dadaísmo utilizou técnicas plásticas novas como:

• O ready-made, usado por Marcel Duchamp: deslocamento de um objecto da sua função e do seu local próprios para um outro contexto, puramente estético;
• O object-trouvé (objecto encontrado), que é um elemento tridimensional, colado sobre a tela e combinado, por vezes, com colagem;
• O merzbilder – inventado por Kurt Schwitters, que é uma obra constituída por vários elementos díspares e casuais, extraídos do quotidiano e reunidos numa tela sobre a qual o artista interveio com a cor;
• As fotomontagens, que consistem em integrações de diferentes imagens autónomas numa só;
• Os rayographs (fotografia ou imagem) de Man Ray, que são fotografias executadas sem utilização da máquina fotográfica.

e outras, reinventadas e combinadas como: a colagem de papéis e a sua montagem no plano com os objects trouvés que possuem relevo.

Destas características sobressai o aspecto decorativo e sugestivo da obra.

4. Cubismo

O Cubismo foi o movimento artístico, iniciado por Georges Braque e Pablo Picasso que constituiu a maior revolução artística realizada após o Renascimento. O seu nascimento oficial é comummente marcado pelo quadro de Picasso.

As duas grandes influências do Cubismo foram as obras de Cézanne, cuja arte se caracteriza pela análise das formas e dos planos construídos por meio da cor, e da arte africana, com as suas formas simplificadas, volumétricas e duras.

O Cubismo possui três grandes fases.

Cubismo – Fase Cezanniana

Entre 1907 e 1909, estes dois autores, Braque e Picasso, desenvolveram, separadamente uma arte semelhante, marcada pela análise de paisagens e objectos nos quais se fizeram sentir as reminiscências analíticas de Cézanne. Esta etapa da génese do Cubismo é apelidada de Fase Cezanniana. As pinturas deste período, constituídas por paisagens e casarios são definidas por grandes planos de cor.

Cubismo – Fase Analítica

Entre 1909 e 1912 desenvolveu-se a Fase Analítica, definida pela visão simultânea e multifacetada dos vários aspectos do motivo observado, fazendo com que o objecto aparecesse na tela como que quebrado ou explodido.

O artista não representa do objecto apenas o que vê, mas também o que dele conhece, resultando numa representação muito complexa. As cores empregues são sóbrias, aparecendo o quadro quase monocromático, trabalhado em tonalidades de uma cor-base, quase sempre ocres, terras e cinzentos esverdeados.

Os temas mais comuns, nesta fase, foram as naturezas mortas com objectos do quotidiano, tais como garrafas, copos, instrumentos musicais, etc.

Em 1912 os artistas começaram a introduzir nas obras elementos estranhos à pintura como letras, bocados de jornal, embalagens de cigarros e de fósforos, bilhetes, etiquetas, areia, etc. Estes elementos visavam estimular visualmente o espectador desfazendo a carga confusa da imagem, característica da fase analítica.

A pintura não visou a decoração ou a expressão, mas a realização. Esta fase das colagens deu-se na passagem do Cubismo Analítico para o Cubismo Sintético, a segunda fase deste movimento que tem como representante máximo Juan Gris.

Cubismo – Fase Sintética

Foi a intelectualização imposta por Gris contrária à arte intuitiva de Picasso e de Braque. Os sólidos de Cézanne passam a ser ainda mais sintéticos e gradualmente substituídos por formas geométricas simples como o triângulo e o rectângulo.

O Cubismo transformou-se numa arte intelectualizada, com formas fornecidas pela razão e, como consequência, cada vez mais abstractas ligadas à mentalidade rigorosa e matemática dos seus autores.

A partir das formas simplificadas surgiu a cor vibrante, em sobreposições e transparências de planos. A emoção volta a aparecer na pintura pela mão da cor, resultado da simplificação das formas, da redução dos planos e das linhas puras, extraindo tudo o que era acessório, inútil ou decorativo. Mantiveram, contudo, os temas do Cubismo Analítico: naturezas-mortas com objectos do quotidiano.

5. O Abstraccionismo

No campo artístico o primeiro quartel do séc. XX ficou marcado pelo aparecimento da arte abstracta, iniciada primeiramente na pintura.

A sua formulação surge-nos como um ponto de chegada das grandes tendências que a arte europeia vinha percorrendo desde o Pós-Impressionismo. Essas tendências tinham caminhado no sentido de:

• Por um lado, afirmar a progressiva libertação da arte em relação à representação mimética na natureza assumindo a autonomia do quadro;
• Por outro lado, haviam provocado uma verdadeira revolução técnica e plástica, concretizada pela crescente simplificação formal da linguagem pictórica.

Entre as duas Grandes Guerras do séc. XX, o Abstraccionismo concretizou-se através de duas tendências:

• A do Abstraccionismo Lírico, criado por Kandinsky e derivado directamente do Expressionismo do Cavaleiro Azul;
• E a do Abstraccionismo Geométrico, directamente influenciado pelo Cubismo e pelo Futurismo.

O Abstraccionismo Lírico

O Abstraccionismo Lírico ou Expressivo inspirou-se na intuição, no instinto e no inconsciente, construindo uma arte imaginária ligada à emoção e “à necessidade interior”, e, como tal, aos conteúdos simbólicos e místicos a ela inerentes.

Este Abstraccionismo Expressivo viveu do jogo das formas orgânicas e da vibração da cor, da procura dos meios expressivos de onde sobressaem as linhas, as formas e as cores e seus respectivos significados, os quais substituem a representação dos objectos, fazendo com que esta arte procure a sua linguagem específica pela aproximação com a música, a arte não figurativa por excelência.

Esta pintura possui um sentido filosófico, baseado na convicção de que uma grande mudança espiritual se estava a desenvolver no novo século com o abandono das doutrinas materialistas do final do séc. XIX.

Kandinsky foi o principal representante desta corrente.

O Abstraccionismo Geométrico

No Abstraccionismo Geométrico está patente a racionalização que dependeu da análise intelectual e científica. Subdivide-se nas seguintes correntes:

Suprematismo

O Suprematismo foi um movimento pictórico completamente novo, nascido na Rússia por volta de 1915-1916. O seu autor foi Casimir Malevitch. Este executou uma pintura que se define pela supremacia absoluta da sensibilidade pura. Fundou-se na necessidade de animação do espaço pela forma. Assim, a preocupação fundamental no Suprematismo foi a realização plástica pura da noção de espaço, ou seja, a relação entre as formas e o espaço que as circunda. O niilismo Russo contribuiu para o suprematismo na procura da verdade e da pureza plásticas. A verdade e a pureza que seriam procuradas num novo mundo através do aniquilamento e da negação do mundo presente. A pintura suprematista caracteriza-se pela simplicidade das formas geométricas e pelo emprego de uma gama cromática restrita, constituída pelas cores primárias e secundárias, pelo branco e pelo preto. A pureza, levada ao extremo, conduziu este pintor à redução cromática em composições como Quadrado Negro sobre Fundo Branco e Quadrado Branco sobre Fundo Preto. O branco simboliza o princípio e o negro o fim, dois pólos de não-cor opostos.

6. Arte Informal

A arte informal foi uma tendência artística surgida nos anos 40 influenciada pelo Abstraccionismo Lírico de Kandinsky e pelas técnicas artísticas introduzidas pelo Cubismo, Dadaísmo e Surrealismo (colagens, assemblages...). O seu carácter ecléctico no que toca à execução técnica e conceptual fez com que desrespeitasse qualquer formalidade anterior, por isso o nome “Informal”.

A Arte Informal mudou os processos de criação pictóricos, reintroduzindo o factor artesanal na sua elaboração. No Informalismo a técnica e o material assumem-se como a parte essencial da concepção, deixando para segundo plano o tema, a cor, a composição... Assim, o artista manifesta a sua individualidade através do material escolhido, centrando-se o acto criativo no processo de fazer o quadro (no momento da concepção, portanto).

A nível do conceito, ligou-se às teorias filosóficas de Heidegger, relativas ao existencialismo, e de Sartre, no seu conceito de acção e autenticidade. Na Arte Informal não há qualquer ligação ao simbólico ou anedótico, nem há a sua racionalização; há, antes, a preocupação com o acto de fazer (com o acaso e improvisação). O Informalismo teve várias tendências:

• A Arte Bruta, que consistia na pintura com empastes grossos, mistura de materiais diversos, como serrim, vidro moído... Teve como principal artista Jean Dubuffet;
• A Action Painting, que se baseou na ideia de automatismo psíquico, pelo que as obras desta tendência são concebidas usando gestos do corpo (gestualismo) para espalhar a tinta sobre a tela, de uma maneira completamente aleatória, apresentando escorridos policromáticos que resultam num efeito visual denso;
• A Pintura Matérica, que coloca a tónica na matéria, isto é, a pintura tem características abstractas, e usa materiais não pictóricos para preencher a tela e sobre os quais actua com, por exemplo, a grattage... Exemplos de artistas são Antoni Tápies e Alberto Burri;
• A Pintura Espacialista, que se interessa em incorporar na tela a terceira dimensão, seja ela real ou ilusória. É marcada por grande austeridade cromática e linguagem directa e concisa. Abriu, mais tarde, caminho para o minimalismo e arte conceptual. Os principais pintores desta tendência foram Burri, Lucio Fontana e Yves Klein.

7. Estilo Internacional

Na segunda década do séc. XX apareceu um arquitecto europeu, Le Corbusier, que, através da sua teorização sobre a arquitectura nos ramos do urbanismo, da proporcionalidade... revolucionou o modo de a ver. Essas suas teorias foram concretizadas em inúmeros projectos.

Quando, em 1922, abriu o seu primeiro estúdio de arquitectura, começou a interessar-se pelos problemas de planeamento urbano, resultantes do crescimento exponencial das cidades. Devido às influências racionalistas e funcionalistas que havia tido, acreditou na aliança entre a indústria e a arquitectura padronizada como meios de resolver os problemas concretos de habitação para as massas. Teve em conta, então, a economia de meios, os padrões de qualidade de vida, tendo desenvolvido, sobre esses pontos, as suas teorias. O resultado dessas pesquisas reflectiu-se em livros sobre arquitectura e em projectos tanto de unidades habitacionais como de cidades inteiras objectivadas para resolver os problemas da sociedade moderna.

O resultado final da sua exploração foi a constituição de cinco pontos determinantes para uma construção:

• Planta livre: a colocação das paredes torna-se independente da estrutura, uma vez que esta está assegurada por outros elementos que se podem omitir visualmente;
• Fachada livre: projecto da fachada sem nenhum impedimento estrutural;
• Pilotis: sistema de pilares que eleva o edifício de modo a levantá-lo do solo;
• Terraço-jardim: recuperação do solo usado pelo prédio criando jardins no topo do mesmo;
• Janelas em fita: proporcionadas pela fachada livre, permitem uma extensão ao critério do arquitecto para uma maior ou menor relação com a paisagem.

Os conceitos de Le Corbusier, também já por eles provenientes do trabalho de Gropius e Mies van der Rohe, foram divulgados e expandidos nas CIAM (Congressos Internacionais de Arquitectura Moderna), que também contribuíram para organizar as ideias do Movimento Moderno da Arquitectura e a difundi-las sob o Estilo Internacional.

8. Surrealismo

O Surrealismo constituiu sobretudo um movimento de ideias que se estendeu a vários campos de actividade: a literatura, as artes plásticas, ao cinema, à fotografia, e à música. Em termos conceptuais, o Surrealismo surgiu à semelhança do movimento Dada, como reacção à cultura e à civilização ocidentais e a tudo o que elas invocassem ou representassem, em particular o racionalismo e o convencionalismo. A estes valores opuseram outros, como os da liberdade e da irracionalidade, através de obras que utilizaram o sonho, a metáfora, o inverosímil e o insólito, contribuindo para a elevação do espírito, separando-o da matéria. Aplicou os ensinamentos de Freud e da psicanálise e esteve ligado às ideias de esquerda através das teorias de Marx. É caracterizado pelo afastamento das normas e das convenções, sistematizando a transgressão de modo repetido. Em termos estéticos baseou-se nas correntes do pensamento romântico e do Simbolismo do final do séc. XIX. As obras deste movimento seriam executadas à margem da razão sem quaisquer moralismos e sem preocupações estéticas racionalizadas. A associação de ideias era feita sem sentido e desencadeada livremente, segundo três técnicas básicas que punham em prática o “automatismo psíquico”:

• Numa tratava-se de escrever e desenhar em estado semi-hipnótico, sob a influência do álcool, da fome, ou da droga, que provocam alucinações;
• Noutra, os discursos eram escritos ou ditados durante o sono ou eram relatos de sonhos;
• Outra, era constituída por jogos que consistiam em juntar escritas simultâneas de várias pessoas de modo a obterem efeitos desconcertantes e surpreendentes.

Plasticamente, aproveitaram e utilizaram os ensinamentos do Dadaísmo, assim como as suas técnicas: o desenho e a pintura automáticos e as técnicas clássicas de desenho e da gradação cromática. Estes processos técnico-artísticos estão presentes em associação com:

• A colagem, o frottage, a assemblage, o dripping e a decalcomania, como em Max Ernst;
• O desenho e a pintura automáticos, onde a correspondência entre inconsciente e acção se desenrola sem controlo da razão e pautada por um forte individualismo;
• As técnicas básicas, aplicadas a formas fantasmagóricas ou incongruentemente associadas;
• Estas técnicas estiveram ao serviço de temáticas onde: o erotismo, o onírico e o sonho revelam as forças ocultas que visavam o “resgate e a libertação de uma série de tabus e de imposições vigentes no domínio da sexualidade”; o mundo da magia e de todas as forças alheias à racionalização do mundo ocidental, atacando o senso comum.

9. Arte Déco

A Art Déco nasceu nas primeiras décadas do séc. XX e consistiu, na sua essência, na imagem das hesitações conceptuais do primeiro modernismo. Aderiu a modernos materiais e aos processos de produção e pactuou com a tradição, mergulhando as suas raízes no Arts and Crafts e na Deutscher Werkbund, e em certas concepções na Arte Nova da qual é, em muitos aspectos, sua directa sucessora. Acima de tudo, numa época de racionalidade e funcionalismo que começava a condenar o ornamento, assumiu-se, fundamentalmente, como um estilo decorativo – uma estética nova, moderna, eclética, aplicável a todas as actividades artísticas (arquitectura, artes aplicadas, design industrial, etc.) transformando-se, tal como acontecera com a Arte Nova, numa moda característica de um tempo e de um modo de pensar. Na arquitectura aplicou-se sobretudo na decoração de interiores, influenciando no entanto inúmeros edifícios modernistas, com predilecção por fábricas, cinemas, teatros, etc. As construções de inspiração Art Déco apresentam as seguintes características:

• São construções de tecto plano, nas quais predomina a horizontalidade;
• Aplica a geometrização na composição do espaço (plantas) e das fachadas;
• Apresentam a simplicidade estrutural e grande clareza de volumes de traçado geométrico;
• A decoração é contida, estilizada e abstractizante, recorrendo por vezes à cor.

10. Pop Art

Nasceu por volta dos anos 50 em Nova Iorque e Londres. A sua temática esteve ligada à “cultura popular” constituída por imagens do quotidiano, retiradas da BD, das revistas e dos jornais, da fotografia, do cinema, e da televisão. São conhecidos os retratos, seriados ou não, de Marilyn Monroe, Jackie Kennedy, Liz Taylor e Elvis Presley.

Utilizou recursos técnicos mecânicos ou semimecânicos, como a fotografia e a serigrafia. O resultado plástico, devido à linguagem utilizada, possui uma certa impessoalidade e até frieza, pois ao contrário do Abstraccionismo, não tem marca pessoal do artista.

Esta pintura foi influenciada pelas recolhas dadaístas e surrealistas efectuadas por Robert Motherwell nos anos 50, pelos ready-made de Marcel Duchamp e pelas colagens de Kurt Schwitters. É de notar a descontextualização dos objectos em relação ao quotidiano.

Os artistas mais significativos foram: Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Andy Warhol, Lichtenstein, Tom Wesselmann, James Rosenquist, etc.

11. Op Art

A Op Art define-se por obras dotadas de movimento real ou aparente. A sua grande diversidade artística advém-lhe de três grandes tipologias constituídas por obras como: movimento real e produzido por motores ou por projecções luminosas; movimento simulado que produz efeitos ópticos. A estas obras atribui-se-lhes o nome específico de Optical Art, transformação por si próprio ou mediante manipulação do espectador.

12. Happening

Esta forma de arte reflectiu influências do informalismo. A acção é recuperada e entendida como uma atitude, não tendo a obra características perenes. As primeiras manifestações da arte como atitude estiveram ligadas às acções levadas a cabo pelo músico John Cage e pelo coreógrafo Cunningham, que constituíram verdadeiros happenings. Esta forma artística era considerada como uma vivência que põe em relevo uma estreita ligação entre a Arte e a vida. Não é, apesar disso, uma representação teatral pois não tem um objectivo específico nem uma estruturação com princípio, meio e fim. Coloca, antes, o espectador e o seu autor numa atitude expectante e atenta a determinados factos, acontecimentos e vivências. Assim, surgiram novos comportamentos artísticos nomeadamente ligados à sexualidade. O Happening pretendeu chegar a um público vasto, considerado espectador e participante na criação e desenvolvimento da acção e ao mesmo tempo combateu o mercantilismo artístico.

13. Performance

Baseada, igualmente, nas artes de acção e na estética do espectáculo, esta forma artística de tipo conceptual englobou actividades pluridisciplinares. Em regra, consistia no desenvolvimento de actividades ligadas à expressão corporal, não se assemelhando à dança nem ao teatro. Desenvolviam-se de uma única vez e, por isso, eram irrepetíveis, tendo um carácter único e original.

14. Body Art

Filiada nas artes de acção, foi uma das tendências conceptuais que mais seguidores teve. Nesta arte corporal estiveram incluídas manifestações muito variadas: as mais brutais admitiam práticas de tipo sadomasoquistas como as do grupo vienense (Günter Brus e Hermann Nitsch, entre outros); outras, mais calmas, foram as dos ingleses Gilbert e George.

15. Arte Conceptual

Iniciada nos anos 60, valorizou o processo mental e a reflexão sobre o trabalho, tendo a teoria ocupado o lugar da prática concreta. Recorreu a referências e bases teóricas questionando os fundamentos da arte, a colocação da obra de arte na sociedade e o reconhecimento público do artista no seio dessa mesma sociedade.

Esta proposta artística controversa inspirou-se em Marcel Duchamp, considerado seu precursor, e teve como antecedentes remotos o Construtivismo e o Abstraccionismo e, mais recentemente, a Action Painting e o Informalismo.

Considerou a arte como acção linguística, como comunicação e formação do pensamento. Os suportes para a proposição da obra foram raros e integraram a fotografia, películas várias, vídeos, gravações, telefonemas, etc. Entre os autores que praticaram esta forma artística temos Joseph Kosuth, Hans Haacke, Joseph Beuys e Denis Oppenheim.

16. Land Art

Esta manifestação apresenta preocupações ecológicas, recusando a arte comercial. De tipo conceptual, esta arte efémera esgota-se no próprio acto da sua execução, ficando dela apenas o registo fotográfico. Constitui uma manifestação interventiva na paisagem, em grandes espaços naturais, que se pode apresentar de maneiras muito variadas.

Minimal Art

Apelou à necessidade de recorrer aos elementos básicos e essenciais da matéria plástica. Decorrente da Land Art, manifestou desprezo pela figuração e empregou um número mínimo de elementos plásticos e de cores, cujo efeito impessoal é devido ao uso de materiais individuais. Na sua maioria, as obras desta vertente conceptual são tridimensionais, designando-se por estruturas primordiais. Na pintura pode ser definida pelo número restrito de elementos, sendo muitas vezes constituída por superfícies monocromáticas, sem qualquer alteração tonal.

17. Instalação

Define-se como um processo de realização plástica que contempla a construção de cenários e ambientes, muitas vezes povoados de objectos do quotidiano. A sua expressão é complexa e revela-se de forma crítica em relação ao fenómeno artístico em si próprio, contestando, também, aspectos sociais. Este pendor crítico e satírico é revelado, igualmente, pelo carácter não comercial destas obras. Os autores: Joseph Beuys, Daniel Buren, Pistoletto, Pfaff, entre outros.

18. Hiper-realismo

Foi uma corrente artística americana nascida no final dos anos 60 e que se prolongou pela década de 70. Abrangeu a pintura e a escultura e propôs uma visão fotográfica de aproximação à realidade, como forma de reacção às artes mais intelectualizadas das duas décadas anteriores. Utilizou o recurso à máquina fotográfica e às técnicas da fotografia como fonte de informação e registo da realidade; a meios mecânicos ou semimecânicos para transporte dessas imagens (projecção de diapositivos); e a telas fotossensíveis como suporte plástico, daí ter sido designado também como Foto-Realismo. Constituiu uma expressão artística fria e impessoal, onde não estão patentes as acções ou emoções do artista. A pintura apresenta-se lisa e sem marcas de individualidade, parecendo fotografias de formato gigante. Chuck Close, Robert Cottingham, Don Eddy e John Salt foram vários representantes do Hiper-Realismo.

19. Novas Figurações

Desta tendência artística fez parte o Novo Realismo Francês que teve em Yves Klein o seu autor mais destacado. A sua etapa “realista” foi constituída pelas Antropometrias (Pintura Espacialista). O Novo Realismo caracterizou-se por tratar, sobretudo, os aspectos desagradáveis da estética de consumo, como a acumulação de detritos e outros elementos vulgares. Os autores pertencentes a este grupo executaram obras pictóricas e sobretudo escultóricas com claras referências dadaístas.